Un Mauvais Strip

(THE YELLOW SEA) Écrit et réalisé par NA Hong-jin

Trois ans après l’impressionnant The Chaser, thriller baroque époustouflant et premier film (le réalisateur était encore étudiant à l’époque !), Na Hong-jin revient avec The Yellow Sea, à nouveau un polar au rythme haletant et tenu tout du long (on ne voit vraiment pas passer les 2h20), joué par les deux même interprètes (dans des rôles radicalement opposés), mais la comparaison s’arrête là. Si le précédent film était un exercice de style brillant, on est ici face à une œuvre infiniment plus complexe et subtile, et dont la dramaturgie puissante dépasse de loin le cadre de la série B.
Comme souvent dans le cinéma coréen, Na Hong-jin s’embarrasse peu des cases, des codes propres au cinéma de genre, et puise à loisir dans toute la palette pour raconter au mieux, au plus serré, cette histoire sombre et tragique, profondément ancrée dans la réalité sociale des quelques 800000 Sino-coréens qui vivent à Yanji, ville chinoise coincée entre la Russie et la Corée du Nord, sur les rives de la Mer Jaune (qui donne au film son bien meilleur titre original, The Yellow Sea), bras de mer séparant la Chine de la péninsule coréenne, que les « joseon-jok » traversent au péril de leur vie, dans les soutes de cargos rongés par la rouille, pour aller chercher du travail en Corée du Sud.

Il y a dans Taking Off, réalisé par Milos Forman en 1971, une scène qui vaut particulièrement le détour (voir ci-contre), située à la fin et qui fait décoller un film jusque là juste un peu planant, voire un peu ennuyeux. Des parents middle class, tout ce qu’il y a de plus conformistes, dont la fille a fugué pour aller voir des hippies, rejoignent une « communauté » de parents dans des situations semblables, et lors d’une réunion, un avocat fait venir à la tribune un médecin pour leur expliquer que pour comprendre les affres par lesquels passent leurs précieuses progénitures, il leur faut expérimenter la prise de cette substance illicite communément appelée « marijuana ». On a alors droit à cette scène délicieuse que je vous laisse regarder, et qui préfigure bien le ton de certaines scènes de Hair qui sortira en 1979…

Quelques photos de ces RMLL à Bordeaux, une excellente cuvée, bien qu’un peu agitée avec le pré-démarrage du projet Vidéo en Poche, la soirée à Utopia avec la Quadrature du Net, la présentation des enjeux de la numérisation des salles de cinéma avec Nicolas (qui enchainait après son atelier Luciole), une émission de radio et même une interview pour un blog (délire !), sans oublier évidemment un bon petit restau, Le plat à Oreilles, avec les développeurs des rien moins que révolutionnaires Seeks et Yooook.

Écrit et réalisé par Hirokazu Kore-eda (Japon 2009 1h56) - avec Bae Doona, Arata, Itsuji Itao, Joe Odagiri, Masaya Takahashi, Ryo Iwamatsu, Susumu Terajima… D’après le roman graphique de Gouda Yoshiie, Philosophical Discourse,The Pneumatic Figure of a Girl.

« En février 2000, la bande dessinée The Pneumatic Figure of a Girl de Gouda Yoshiee est parue aux éditions Shogakukan. Je me souviens parfaitement à quel point ce manga m’a ému. Une poupée, remplie d’air par l’homme qu’elle aime, sillonne la ville de nuit et se dit : “Mon corps est rempli de son souffle. Je ne pourrai sans doute jamais me remplir d’air toute seule. Même si je dois y laisser ma vie, cela m’est égal.” »
C’est ainsi que Kore-Eda raconte les origines d’Air Doll, récit poétique particulièrement gonflé de l’existence fragile d’une « poupée d’air ». D’une histoire ténue qui aurait pu facilement être lourde, vulgaire, artificielle voire ridicule (c’est quand même l’histoire d’une poupée gonflable, objet plutôt triste et sordide a priori), on s’étonne et s’émerveille à chaque instant de l’incarnation miraculeuse de cette poupée par l’actrice Bae Doona (qu’on avait pu voir dans Sympathy for Mr Vengeance de Park Chan-wook, et The Host de Bong Joon-ho), qui lui donne cette grâce légère, aérienne, qui sied tant à son personnage. Et on y croit, et l’on s’émeut des questionnement et des élans du cœur de cette poupée dotée soudainement d’une âme qui part à la découverte du monde, des bonheurs et des souffrances de l’existence humaine, avec cette fraicheur, cette naïveté tranquille et assumée semblable à celle des meilleurs films de Frank Capra.

« C’est une initiative des Cinémas Utopia cherchant à apporter une réponse aux questions posées par notre époque sur les échanges culturels et la rémunération de la création, dans un contexte de ce que l’industrie culturelle a appelé la « guerre du copyright », de crispation autour du droit d’auteur qui tend à opposer les créateurs et leur public par la création de lois liberticides et inefficaces, ainsi que par l’élaboration de traités tels que l’ACTA menaçant les libertés individuelles. Vidéo en Poche est la modeste contribution de salles indépendantes à la recherche d’un compromis social.

« Le principe est simple : vous venez à la caisse d’une des salles membres du réseau Vidéo en Poche, avec votre support amovible type clé USB ou carte mémoire, et on vous copie dessus le film de votre choix au format ouvert Matroska, sans DRM, contre la modique somme de 5€ (les 5€ comprennent 3€ pour l’ayant droit, 0,98€ de TVA et 1,02€ pour la salle). La résolution minimale de la vidéo est celle d’un DVD, et quand la source le permet la vidéo sera à une résolution HD (720p). » (lire la suite sur le site de Vidéo en Poche)

Réalisé par Terry Gilliam (scénario de Terry Gilliam et Charles McKeown, avec Heath Ledger, Christopher Plummer, Lily Cole, Tom Waits… ainsi que Johnny Depp, Colin Farrell et Jude Law de l’autre côté du miroir)

Londres, par une nuit froide et sans lune, une antique roulotte aux dimensions improbables, toute de guingois, biscornue et brinquebalante, s’arrête au cœur de la City endormie. Ses occupants, farfadets en guenilles, s’affairent à déployer ses atours baroques et une musique mécanique de fête foraine jaillit de ses entrailles, haranguant les quelques badauds qui arpentent encore les rues sombres et humides avant les premières heures du jour : « osez traverser le miroir et entrer dans l’Imaginarium du docteur Parnassus, venez admirer ses merveilles ou révéler vos peurs les plus secrètes… » Tapi dans l’ombre, un personnage inquiétant observe la scène, exhalant un fanal de fumée voluptueuse, et l’on distingue deux yeux malicieux rougeoyant dans l’obscurité. Non loin de là, un inconnu attache patiemment, sans hâte, une corde à la rambarde du Blackfriars Bridge et s’apprête à mourir.

Depuis février 2008, les syndicats ont dénombré 22 suicides chez France Télécom. Dans un article du Monde, des salariés témoignent d’un « management par la terreur » : « Nous sommes obligés de demander la permission à notre responsable pour aller aux toilettes. Si le temps de pause dépasse une minute, nous devons fournir une explication écrite. »

Pendant ce temps en Indre et Loire, comme nous le raconte un article de Marianne, Sylvie Siffermann, de la direction départementale du travail, a eu l’idée de génie de mettre en relation des entrepreneurs en mal de divertissement, et des chômeurs prêts à tout pour se faire embaucher, en organisant deux petites promenades. Promenades plutôt sportives d’ailleurs, du genre marathon : 10 et 20 km de course à pied. Grâce à son parrain, il reprend goût au sport, et c’est déjà pas mal ! Dans son article, Jessica Thomas fait le rapprochement avec une scène du film Que les gros salaires lèvent le doigt, gentiment cruelle en comparaison des pratiques actuelles.

Mais bon, si les salariés sont trop stressés, ils peuvent toujours jouer à Clodogame pendant leur temps de travail, histoire de se dérider (le jeu est cependant déconseillé aux personnes ne possédant pas un certain sens du dixième degré), ou bien spéculer sur leur assurance décès.

Les studios Pixar ont de nouveau mis la barre très « haut » avec l’histoire de Carl Fredericksen qui a tout du Spencer Tracy de Devine qui vient diner ?, croisant sur sa route un « Dr Moreau » qui ressemble fort à Douglas Fairbanks. Comme pour la séquence d’ouverture de Wall•E, la scène muette qui construit le personnage principal de Là-Haut est magistrale de concision et d’élégance et doit beaucoup à la petite mélodie au piano composée par Michael Giacchino. Ces quelques notes m’ont trotté un moment dans la tête, mais je ne savais ce que cela me rappelait exactement…

« Bon sang mais c’est bien sûr ! », ça ressemblait furieusement à la mélodie que l’on retrouve au début et à la fin du Ragtime de Milos Forman, sur des séquences également muettes, et qui se situe au début du xx^e siècle, période de la jeunesse du personnage de Là-Haut. Or, il se trouve que Pete Docter et Bob Peterson, co-réalisateurs, travaillèrent tous-deux sur Toy Story, dont la musique fut écrite par Randy Newman, qui se fit surtout connaitre dans ce domaine à partir de 1981 avec la musique de… Ragtime !